RETROSPECTIVA 2019: Para que serve a arte?

Tessitura _ Lili Lucca*

   Lembrar os palcos em 2019 é documentar a coragem da/o artista alagoano. Como dizia o poeta Guimarães Rosa, a vida…”O que ela quer da gente é coragem.”

   No presente ano os artistas de todo o Brasil, sofrem uma arapuca. Assistimos a extinção do Ministério da Cultura e vimos suas funções atribuídas à Secretaria Especial de Cultura do Ministério da Cidadania. Vimos as mais vis e amarguradas especulações contra a arte e o artista, no seu sagrado ofício. Ofício que sempre teve em seu histórico o abandono do estado. Esses foram acusados de serem os que contrabandeiam o dinheiro público em prol de nada. 

   Mas para que serve a arte? Que invenção é essa de que o artista precisa de dinheiro para produzir sua obra? Qual a finalidade da arte e sua serventia? Ora, mas que desserviço.   

   Sentamos na sala de casa em frente a TV, mas não consumimos arte, vamos a shows de música apenas para encontrar pessoas, entramos na sala de cinema apenas para comer pipoca e sentar em cadeiras confortáveis, e no teatro vamos apenas para manter o STATUS QUO.  Arte, a quem interessa? Ao Artista, apenas. Sim. Para isso coloco a fala ainda latente aos meus ouvidos, feita no final de 2018, de uma senhora com 90 anos hoje, com uma vida dedicada a arte, que está completando 70 anos de carreira:

“Nós somos de uma profissão digna, parte de uma cultura teatral milenar. Não é possível fazerem de nós - gente de palco, atores de TV e cinema- responsáveis pela derrocada econômica deste país. Não somos corruptos. Somos dignos.” Montenegro. Fernanda (Troféu Melhores do Ano. 2018 /Faustão) 

   O artista brasileiro, seja ele com holofotes ou não,  vive no limiar histórico, sempre no descaso, sendo posto a prova. É esse o lugar que lhes é oferecido por um estado que coloca a cultura e arte sempre em território de tirania do poder, irregularidades e fragilidades. 

   Artistas em incontáveis territórios, nos sertões, em comunidades e nos grandes centros desse vasto país, colocados como supérfluos.  

   Recentemente o Dante Mantovani, atual presidente da FUNARTE atacou novamente artistas e suas formas de expressão.

 "Minha gestão à frente da Funarte será pautada pela valorização e resgate dos grandes artistas brasileiros e universais;...” (Fala publicada pelo Jornal Nacional - TV Globo/03/12/2019)

   Atacando veemente grandes artistas nacionais da música popular brasileira, quer pautar e rotular a arte em seus padrões clássicos, para ele únicos possíveis. Triste esse senhor, que nada vê e nada diz. Mas vos digo meu caro, a arte é livre. Continuaremos. Não precisamos de sua aprovação para nada. Somos artistas. Criamos. Pesquisamos.Estudamos. A arte é LIVRE. E o artista é a liberdade em vida. 

E foi com essa liberdade e coragem de criação que em Maceió e em alguns lugares de  Alagoas em 2019 as Artes cênicas, tiveram palcos com criações múltiplas. Quintas no Arena, Teatro é o maior Barato, as Aldeias Sesc em Maceió e Arapiraca, Festival de Mulheres Engraçadas - F.E.M.E, 5º Festival de Artes Cênicas de Alagoas - FESTAL, Festival Internacional de Circo e Artes da Rua - FICAR, ENTRE, foram alguns dos eventos que nomeio como Panorama de artistas alagoanos.

   Início esse panorama pelo mês de Março, tivemos a bravura e o riso da palhaçaria, encabeçado por Wanderlândia Melo, atriz e componente do grupo Clowns de Quinta, que foi premiada pelo Prêmio Itaú Cultural e realizou na cidade o Festival de Mulheres Engraçadas de Maceió - F.E.M.E.. Um festival que ocupou a cidade e exibiu a garra das mulheres na arte. Um Festival cheio de experiências feitas e colocadas no cenário do teatro alagoano por mulheres.  Quantas barreiras e dedicação tiveram e ainda terão essas mulheres para levarem adiante sua palhaçaria? Não tenho aqui a resposta, mas naqueles cinco dias de festival vi mulheres, vi o labor delas na produção, também artistas nesse revezamento de fazer e produzir arte e que ao realizar o festival se torna imenso, pois é a resistência e o poder de mulheres na arte do seu lugar. É político! É domínio!  Um festival que homenageou um patrimônio vivo do circo alagoano, a artista e educadora circense, Peró de Andrade. No F.E.M.E., resgatamos a memória e colocamos no fluxo a história palhaçaria alagoana, nunca antes contada em Maceió, com a presença de artistas de todo território nacional. 

   E da força das mulheres partimos para as Aldeias,  mostras de teatro, dança e circo, que aconteceram nas cidades de Maceió e Arapiraca, conduzidas pelo SESC - ALAGOAS. O Sesc, abre uma diálogo ao colocar no palco artistas nacionais, que circulam pelo Projeto Palco Giratório em contato com artistas Alagoanos. Promovendo uma exibição rica em diversidades e discursos, diminuindo espaço entre artistas, conduzindo o público ao encantamento, e dando a possibilidade de presenciar obras potentes e excepcionais, abreviando os espaços. Democratizando o acesso a arte em paramento nacional, além de ampliar o olhar do espectador a fartas experiências cênicas, assim formando plateias. As Aldeias, que trouxeram artistas do Rio de Janeiro,  São Paulo, Macapá, Ceará e Alagoas dentre outros, que durante alguns dias de maio, junho e setembro foram da região metropolitana ao agreste alagoano, partilhando arte entre seus fazedores e espectadores, tonificando artistas em um âmbito nacional.

   Anuncia-se em outubro o FESTAL - “Juntar, Criar e Resistir”, um festival organizado pela Rede Alagoana de Artes Cênicas, compartilhado e gerido por esses artistas, com persistência e luta. Em sua 5a. edição o FESTAL, teve como propósito envolver bairros diferentes da cidade, no intuito de expandir e descentralizar ações artísticas pela cidade. Cidade Sorriso, Vergel do Lago, Garça Torta, Bom Parto e Centro (Praça Sinimbú e Espaço Cultural), foram os locais em que o FESTAL realizou sua programação na cidade de Maceió. Entre as atrações, espetáculos de teatro, circo, dança, performance, oficinas e atividades formativas, entre público e artistas que fizeram e compareceram ao festival. O FESTAL, é meio de trabalho,  e articulação da classe operária artística alagoana, é a vida de quem labuta e luta pela arte em Alagoas. Em sua 5ª. edição transformou vidas, não podemos definir em que lugares ele tocou, mas essa passagem da arte por essas zonas à margem, virou memória na vida de quem experienciou a arte, e se transformou no instante da ação do artista. Arte por todos os lugares da cidade, para transformamos a vida cotidiana por alguns minutos pelo olhar. Que o FESTAL e esses artistas continuem a caminhar.

   Em novembro fruímos o ENTRE - Semana de Dança Contemporânea, em sua segunda edição, uma produção colaborativa entre companhias de dança alagoanas e estudantes dos cursos de Dança vinculados a UFAL. Nessa semana, foram apresentados trabalhos, discussões e  bate papos sobre a dança a fim de refletir suas produções e a manutenção da pesquisa da dança contemporânea em Alagoas. Vale destacar nos acontecimentos da Dança em 2019 também o intérprete - criador/B-boy Jessé Batista que esse ano foi o representante de Alagoas no Projeto Palco Giratório, do SESC Nacional e circulou o país passando por 28 cidades e fez 33 apresentações, com seu espetáculo R.A.L.E. - Realidade Apropriada Libera Evidência, levando o nome de Maceió no cenário nacional da dança contemporânea.  

   E quando achávamos que as produções findavam, surge em meio sobressalto o FICAR - Festival Internacional de Circo e Artes de Rua, encabeçado pela Cia.Fenomenal. O Festival que trouxe em seu discurso o fortalecimento e a democratização da arte, tem como seu palco a rua, a praça, o corredor dos carros.  A realização do FICAR encerra o ano de 2019 com Riso e Resistência, com artistas ocupando as ruas e colocando seu trabalho em contato direto com o público na demanda de mais uma forma de democratizar a arte. 

   Não podemos esquecer que há mais de 20 anos a Diteal vem mantendo a oportunidade de artistas alagoanos mostrarem suas obras e seu ofício à toda sociedade maceioense,  com dois projetos intitulados: Quintas no Arena (15 anos) e Teatro é o maior barato (20 anos). Trouxe esse ano ao público apresentações de música, teatro e dança. Trabalho que fazem esses operadores é fomentar o público e dar acesso a todo e qualquer artista a se apresentar nos palcos históricos do Teatro Deodoro e do Teatro Sérgio Cardoso, mais conhecido como arena. Lugares esses que devem ser cada vez mais tomados por artistas, pois é seu lugar por razão. Razão, pela qual lutam diariamente todos os artistas desse país e estado. O correr da vida do artista, não é maior que qualquer trabalhador brasileiro, mas é digno como o de tantos. O que vejo nesses palcos alagoanos, é expediente diário, é trabalho árduo de quem faz, de quem elabora a poesia, de quem confecciona formas harmoniosas, de quem tece o saber cultural de forma primorosa. E o que querem esses artistas? 

   Dignidade e seu espaço por igualdade da lei. 

   Enquanto tecia essas palavras, durante o ano  compondo o Coletivo Filé de Críticas, eu e meus camaradas vendo acontecer todos esses espetáculos, teimávamos em tentar responder de onde brotava a coragem desses artistas. Não achei respostas precisas, mas achei vida e sentido. Procurei palavras para documentar, registrar e examinar o cenário alagoano e suas obras, os defino com a CORAGEM de ser, fazer sentir e transmitir arte. Verdade maior, é do artista que enfrenta o medo, vem transmutando  e transformando sua arte, para que ela apareça até você. Sinta. 

“O mais importante e bonito, do mundo, é isto: que as pessoas não estão sempre iguais, ainda não foram terminadas, mas que elas vão sempre mudando. Afinam ou desafinam. Verdade maior. Viver é muito perigoso; e não é não. Nem sei explicar estas coisas. Um sentir é o do sentente, mas outro é do sentidor.” Rosa, Guimarães.

*Publicado na versão online e impressa do Jornal Gazeta de Alagoas do dia 28 de dezembro de 2019.

Imagem 1: Xanda Souza

Imagem 2: Publicação da Gazeta de Alagoas.

Festal 2019: O IMPORTANTE É NÃO PARAR DE CAMINHAR

Tessitura _ Felipe Benicio 

   A quinta edição do Festal teve como proposta levar oficinas e espetáculos artísticos para diferentes bairros da cidade de Maceió. Um gesto importante na descentralização do acesso às produções artístico-culturais realizadas nesta cidade, que acabam ficando concentradas em bairros como Centro e Pajuçara. Em tempos de severos ataques à cultura em nosso país, em que até mesmo a palavra “educação” é vista como “ideologizada”, agir no sentido de uma democratização da arte foi um dos grandes méritos do Festal deste ano.   

   Em sua circulação, um dos bairros contemplados pelas ações do Festal foi o Bom Parto, comunidade que abriga um importante espaço de resistência e arte em Maceió, o Quintal Cultural. Idealizado por Rogério Dias, desde 2007 o Quintal Cultural oferece atividades recreativas, educacionais e culturais às pessoas que residem no Bom Parto, sendo também o local onde são realizadas apresentações teatrais e musicais de artistas alagoanos/as. 

   Fui ao Quintal Cultural primeira vez há mais de 10 anos. Estava com o grupo de teatro da escola, o Albatroz – Poetas do Poente, coordenado pelo professor, ator e poeta Nildo Santos. Naquela ocasião, fizemos uma apresentação que tinha como elemento principal a declamação de poemas. À época, o Quintal Cultural era isso mesmo: um quintal, com chão de barro batido e uma pequena arquibancada de madeira, sem qualquer proteção contra a chuva. Mas à época, assim como hoje — quando estrutura física passou por melhorias —, o aspecto cultural é o elemento que traz mágica ao lugar.  

   Em outubro, fui convidado pelo Filé de Críticas para ir ao Quintal Cultural fazer a cobertura das atividades do Festal no Bom Parto, mais especificamente no dia reservado ao sarau — evento realizado sempre no último dia do Festal em cada bairro, e que congregava diversas linguagens artísticas em sua programação. O dia do sarau calhou de coincidir com o evento do dia das crianças organizado pelo Quintal Cultural. A princípio, uma ótima coincidência. Mas, na prática, as coisas não funcionaram tão bem assim. 

   As atividades tiveram início às 16h com o recital das crianças que participam do reforço escolar oferecido pelo Quintal. Foi lindo vê-las recitando poemas de Manuel Bandeira e Cecília Meireles, no melhor estilo jogral, algumas muito tímidas, outras mais desinibidas. Depois do recital, uma vez que o espetáculo Reves, da companhia teatral Os Vernetras, havia sido cancelado, quem assumiu o palco foram os B-boys do grupo Quilombrothers Crew, com seus malabarismos corporais que são sempre uma atração e tanto. Por fim, à noite, houve o show de brega-pop do cantor Hadrian Vicary.   

   Mas, em algum momento, ficou claro que o sarau do Festal e o dia das crianças promovido pelo Quintal Cultural eram dois eventos distintos. Por duas vezes, a programação do sarau foi interrompida: em uma, para a brincadeira do quebra-pote; em outra, para que os advogados e as advogadas da Acrimal pudessem entregar os presentes para as crianças, pois — citando a justificativa dada pelo próprio Rogério Dias — eles/as tinham hora para ir embora. Nesses momentos, as atividades que estavam ocorrendo ou eram pausadas ou apresentadas para um público muito reduzido, composto pelos/as membro da organização do Festal. Uma pena, afinal, quando pensamos em duas excelentes iniciativas culturais unindo forças para a realização de um evento, esperamos uma ação mais estruturada, uma maior articulação — o que, por algum motivo, não pareceu ter ocorrido de todo.  

   Isso, claro, não diminui a importância das duas iniciativas — tanto o Festal quanto o Quintal Cultural —, uma vez que ambas, hoje, são importantes trincheiras desse movimento de democratização da arte e do acesso à cultura em Maceió. A experiência, creio, há de ensinar os passos desse caminhar em conjunto. O importante é não parar de caminhar. 

Serviço:

Ação _ Festal 2019

Etapa _ Bairro Bom Parto

Fotografias _ Jadir Pereira

CRÍTICA: Pluralidades Cênicas _ "Treinamentos Cênicos Plurais "

Tessitura_ Lili Lucca

No último dia 12 de agosto estivemos no Espaço Cultural, mais precisamente na sala preta. Aconteceu lá o evento Pluralidades Cênicas, a Semana Acadêmica de Teatro, que foi do dia 12 ao dia 16 de agosto. O evento teve, pesquisas, projetos de extensão, oficinas e apresentações artísticas.

Estar no Pluralidades e desdobrar nosso olhar para os novos colegas artistas que chegam, que criam e que como nós estão no emaranhado de tecer suas obras: uma das missões do Filé nessa busca por diálogo para a ampliação do pensamento crítico para além da obra de arte, mas também para processos em criação e artistas em formação.

O espaço da Universidade é indispensavelmente o lugar do pensar, mas também de imaginar e criar, assim sendo, no primeiro dia de Pluralidades eu expandi o olhar para aqueles estudantes, jovens artistas e futuros professores que investigam na arte e em seus estudos e que estão em formação, concebendo suas possíveis obras cênicas em processos.

Lá estavam eles protagonistas de suas falas e de suas ações, aprendendo a dominar o palco e apresentar aos demais. As cenas apresentadas são sobre o processo criativo e as narrativas que foram construídas em sala de aula e em que as dramaturgias foram tecidas. Teatro, dança, música, cinema e artes visuais: a relação de todas as linguagens em um dia.

No corredor de acesso à Sala Preta, nos deparamos com a composição de traços de linhas de Djamyson Olimpo, com uma exposição intitulada “Meneio”. O artista se fazia presente no espaço e assim pude trocar algumas palavras com ele. Escolho aqui descrever o que vi. As imagens transmitem força e vida, aqueles corpos feitos e inertes sobre papel saltam ao nosso olhar pela expressividade que vibram. É necessário que nós artistas, olhemos para todas as artes e todas as obras, elas nos nutrem, nos alimentam e nos desafiam, tanto em sua composição, como em sua forma pronta. Os corpos desenhados por Djamyson tem tanta ou mais vida, do que corpos cênicos na sua ação.

No primeiro ato dos artistas PLURAIS*, também tivemos um curta. O filme apresentado chamava - se “Reflexão” e trazia em questão uma atriz que se autocrítica em relação a sua composição. Realidade para toda atriz em processo de composição no fazer cênico, no curso de Teatro Licenciatura. Destaco a licenciatura para essa escrita, sabemos que são fazedores de cena nesse momento, serão licenciados em teatro e essas questões têm de estar presentes constantemente em nossa formação.

Os processos escolhidos para a composição de cada cena são possíveis procedimentos docentes? Esse processo de criação serve para aplicar na escola? Esse processo de criação percorre uma metodologia para uma forma de construção em teatro? Esse processo de criação artística pode ser adaptado para sala de aula, seja você o discente ou docente? Essa metodologia possui elementos que façam os educandos refletirem criticamente e comunica-se com a realidade deles? Como aplicar ou reformular?

Somos criadores de arte. Resistimos através da arte. Mas o teatro se faz necessário no cotidiano escolar. Ele forma, liberta e dá novas possibilidades de se chegar ao conhecimento. Nós nos jogamos de cabeça na criação artística, e dela partiremos para criação coletiva educacional. Nunca esqueçam: A sala de aula, é um lugar potente e de criação, mas exige artifícios. Construam os seus.

PLURAIS, nos mostram sua construção de dramaturgias no intitulado Palco Aberto. Quais os discursos que vimos em cena? Que histórias contamos e o que deixamos de dizer? O que foi entregue ao público, o que gerou? O que fez mover? Que atravessamento eu criei no outro?

Vejo potências nas dramaturgias, todas elas irão amadurecer com o olhar atento e voltado para a criação e o estudo contínuo do tecer uma obra futuramente. É necessário muito trabalho para avançar. No Palco aberto foram apresentadas cenas variadas. Corpos em dramaturgia, um silêncio quase total da palavra, acarreto pontos para provocar. Enumero as apresentações na ordem em que foram vistas por mim.

Apresentação 01- Aprendi balé errado. Um corpo em movimento, que só se movimenta procurando o que seria um não-balé. Dançou errado? Existe dança errada? O movimento é livre. O corpo que dança é livre? Que movimento e dança esse corpo precisa/quer erguer?

Apresentação 02- Mulher, fêmea, emaranhado, presas a si mesma. Presa a cordas sociais, no seu lugar de ação. Ação muito breve quase inativa, entregue as amarras. O feminino preso, rotulado, colocado como objeto, padronizado. Encurralado em si mesmo. O que ainda prende o feminino? Representar essa prisão ainda é apropriado? O que realmente impede? Entender para rever e potencializar a ação.

Apresentação 03- O véu que prende, que dá sentidos na imagem, que sufoca, e que esconde todo o movimento. Um corpo, suas tensões, explosões, a meia sobre o rosto. Ansiedade. O véu que prende e esconde toda a ação é necessário para contar a cena?

Apresentação 04- Um corpo negro no espaço. Vendado. Forte, fluído, com espasmos e impulsos. Um corpo social de um homem negro, não ver e fluir. Ver seu corpo negro livre sendo visto pelos outros, o que causaria? Em quem vê e em quem é livre?

Apresentação 05- Sprit. A dança sprit/ “hip-hop”, é enfrentamento em meio ao caos que vivemos? Quais são as barreiras sociais para a dança que está nas redes? Ou será que ainda hoje nas universidades não sabemos nós que o conhecimento não está somente nos livros acadêmicos? O que vem da rua cabe em qualquer lugar.

Apresentação 06- Dito. O que realmente é dito. Olhando no olho. Saindo da rua e dizendo em alto e bom som. As vozes são ouvidas pelo som dos teclados de celular e computadores. O corpo fala, o corpo diz. O corpo escuta. O corpo vê. Apontamos e não saímos às ruas, apontamos por de trás de uma tela. Nos lacramos/glorificamos com o que dizemos. Os corpos gritam, se desesperam, sofrem, adoecem, morrem, até gozam, mas não temos a coragem de dizer. A dança em sua máxima potência é libertadora e tem o poder de dizer mais que a palavra, mas tem palavras que precisam ser ditas ou continuaremos a nos contorcer? Silenciados. E então, continuaremos silenciados?

Apresentação 07- Uma oração para Bob. Assistam esse filme, mas não assistam sozinhos. Chamem para assistir ao seu lado, aqueles que riem ou olham diferentes para outros corpos na rua. TRANS. Transformada. A verdade cênica no que se diz. A liberdade na execução da vida e do seu corpo. Todo corpo é frágil. Todo corpo é político. Todo corpo é lindo. Todo corpo é vida. Todo corpo é livre. Toda vida é um corpo livre. Respeite. Transforme seu olhar e o olhar do outro, para que ele passe a respeitar todos os corpos, pois eles são LIVRES. Transformada tem o poder de ser, que o artifício nessa criação os leve a uma obra e que ela transforme outros olhares. Continuem… por outros CORPOS!

Apresentação 08- Relatos de Mim. Narrações. Violão. Suicídio. Representação. Suicídio. Eram 3 pessoas em cena. A imagem no palco muitas vezes dá conta de toda representação que queremos. A potência do aluno ator e seus relatos era satisfatório para contar cenas de horror e angústia que levaram ao suicídio. Solo é sacrifício. Tente. Toda a narração pode estar na potência da imagem que cria em cena. Quantos de nós realmente paramos para ouvir relatos de quem precisa ser ouvido antes do fim? Quem escuta?

Apresentação 09- Psicose. Sara Kane. Exercício onde a ação solta esconde a palavra. Música constante, esconde a palavra. Um novo diretor e um novo ator que em processo devem amadurecer a cena e o verde todo virar palavra pulsante, a ação virá como na vida precisa ao que se diz.

Então me encontrei novamente com duas cenas. Obsuricenidades (o tecer a dança na escuridão, a investigação constante do movimento) e Esperando Godot. O teatro tem uma sabedoria exata na sua execução. O fazer, a entrega e o fazer novamente. Foi apenas uma cena, porém essa me despertou a necessidade de estar no teatro de novo. Voltarei a vê-los. Avante, que todas as palavras ditas por essa encenação sejam ação e revolução ou um dia ficaremos todos mudos. Ficaremos?

Todos os artistas Plurais, que fizeram o dia 12 de agosto acontecer, traziam em seus discursos de cena coragem, digo coragem, porque na atual conjuntura social, ou estamos amortecidos ou desesperados. Todos aqueles corpos tinham algo para dizer e disseram. Seja na dança, na música, na ação ou na palavra. Corpos plurais em movimento. Pluralidades me trouxe para além entusiasmo, questões e as deixo com vocês, afinal, são vocês os criadores e eu aqui mera espectadora, onde devaneio e questiono dentro da minha realidade.

Sobre os discursos colocados em cena, BENVENISTE 1 nos diz que:

Portanto, pode se falar de discurso teatral para a representação quanto para o texto dramático, o qual está a espera de uma enunciação cênica.

Como citado acima, os discursos vem de temáticas sociais, como: machismos, homofobia, transfobia, abusos sexuais, violência, doenças do século, racismo, política, liberdade de expressão dentre outros. Discursos esses reais, colocados no palco. Que cena e que resultados quero com essa construção? O que estamos enunciando e gerando?

Todas essas dramaturgias foram colocadas em experiências, de corpos ainda frágeis na ação, no fazer cênico. Como processo de formação e pesquisa na universidade devemos lembrar que essa formação é contínua. Aquele que almeja pela profissão autoral, tem de investigar o seu corpo continuamente, o corpo lugar de exploração e experimentação sucessiva. Continuar a experimentar cenas no palco, mas antes chegar ao máximo de sua pesquisa. Estamos em processo de formação, mas vamos além do solicitado. Se me coloco como artista sou um pesquisador. Permanece aí o exercício da autocrítica e principalmente da escuta de si e de seu trabalho em cena e não falo aqui em excelência, falo em consciência e responsabilidade sobre seu trabalho.

“ O ator não deve usar seu organismo para ilustrar um movimento da alma; deve realizar o movimento com seu organismo”2 Grotowski in Barba

É um árduo trabalho para muitos, para todos nós. Estou com vocês, mas é necessário que despertemos no caminho da nossa formação, que como já disse, é contínua. Ator e atriz nunca se formam, nem professores de teatro. Todas as experiências feitas na universidade, serão levadas a vida e serão aprendizado para a sala de aula, mesmo sendo tudo novo. E sendo você o professor na escola, será aquele que terá de resistir com a arte de ensinar arte, teatro, dança etc?

Todas as questões que apresento, são problematizações de cena, não se trata aqui do que agrada ou desagrada, mudemos os adjetivos, vamos buscar o diálogo com o outro. Eu desde já agradeço. Aprendi muito com vocês nessa tarde, mas é imprescindível lembrarmos que somos professores em formação, que somos artistas em processo de criação e que essa obra chegará a outros. É urgente não buscarmos a espetacularidade, a grandiosidade, a ostentação do ser artista. Os grandes aplausos e gritos, eles virão na medida que a obra atravessar uma pessoa sentada na plateia, e por mais que não sejamos ovacionados neste instante, teremos cumprido nosso papel: Fazer arte, alimentar uma alma com poesia. Para isso, os deixo com Artaud:

E é bom que desapareçam algumas facilidades exageradas e que certas formas caiam no esquecimento; assim, a cultura sem espaço nem tempo, e que a nossa capacidade nervosa contém, ressurgirá com maior energia. E é justo que de tempos em tempos se produzam cataclismos que nos incitem a retornar à natureza, isto é, a reencontrar a vida.3 

    Reencontrem as suas cenas e bons afazeres a todos e todas.

Esse foi apenas um dia de pluralidades. Tiveram outros. Não conseguimos ir. Essas foram algumas cenas e um diálogo tecido sobre elas, que venham muitos.

Referênciais:

1-PAVIS, Patrice- Dicionário de Teatro/Benveniste(1966;1074)Pg.101;

2- BARBA, Eugenio- Terras de Cinzas e Diamantes;

3-ARTAUD, Antonin- O Teatro e seu Duplo;

4 - Imagem 1: Obra de Djamyson Olimpo; 5- Imagem 2: Everardo Saturnino em cena.

*Peço licença a todos que compuseram a programação do dia 12 para me dirigir a eles como plurais, a ficha detalhada com os nomes e criações dos alunos-Atores/atrizes até hoje não chegou até mim, mesmo solicitada. Uma falha minha, que não solicitei no dia.

CRÍTICA de "Tarja Preta" da Cia do Chapéu

Crítica de Tarja Preta *

Tessitura _ Bruno Alves

Estamos em uma sala escura.

O tic tac do relógio anuncia que vai começar uma jornada em uma madrugada dentro de um corpo insone, corpo do nosso tempo, nosso corpo ali talvez, presentificado em Joelle Malta. Corpo que se repete e se desloca no "silêncio" e no escuro.

Relógio parado. Tempo parado. Tempo que parece nunca passar. Minutos que duram uma eternidade no corpo de quem sente.

A Cia do Chapéu, que celebra em 2017 seus quinze anos de atuação, retorna com o espetáculo "Tarja Preta" estreado em 2014. Nele, somos convidados a testemunhar, a se fazer presente dentro da temática da depressão em nossa sociedade.

Nenhuma palavra se fez necessário verbalizar para que a ação dramatúrgica se fizesse forte e impactante. É a imagem, a luz, a sombra, a respiração, a repetição dos movimentos que nos contam como é viver dentro desse corpo.

A dramaturgia do espetáculo é construída a partir dessas imagens potentes, como um filme que se desenha em nossa frente. É a ação. A ação no escuro. A ação sendo mostrada através da luz. O relógio que parece não fazer passar o tempo, a comida que não consegue ser engolida e o corpo fastioso, o corpo que se rasga para aplacar a dor.

Joelle ali naquele espaço em que desenha sua ação entre a luz e o escuro nos transporta para dentro dessa história e nos deixa ver como testemunhas bem próximas.

Uma luz é construída a cada ação, e eis que essa luz sempre me chamou atenção desde a estreia em 2014, por criar imagens fortes. Uma luz cada vez mais precisa sendo manipulada de uma forma que não sabemos quem está por trás, se é um(a) técnico(a), ou se somos nós. O poder da luz vai ganhando cada vez mais força quando percebemos que agora é aquele corpo que a manipula, que dança com ela no espaço. Uma dança que nos deixa aflito, que desenha no espaço angústias e inquietações.

Joelle constrói esse corpo potente, que comunica, que faz uma anatomia do assunto, desenhando de forma honesta e sem melindres. Mostrando de forma forte, como é na vida real. Ela está entregue. O mínimo dentro do espetáculo é muito para nos fazer entender a dimensão do assunto.

Joelle Malta se coloca diante da situação. Transita entre memórias e criar um universo coletivo que nos faz estar ali em cena.

Resta o silêncio ao final. O silêncio e o tic tac do relógio dentro de nós.

* A crítica foi escrita durante o Festal 2017 e publicada em seu Blog em outubro daquele ano.

Ficha técnica:

Direção: Donda Albuquerque e Thiago Sampaio

Elenco: Joelle Malta

Plano de luz: Donda Albuquerque

Execução do plano de luz: Lais Lira

Execução de cenografia: o grupo

Plano de Indumentária: o grupo

Sonoplastia: André Cavalcanti

Arte Gráfica: Alex Walker

Fotomontagem: Nivaldo Vasconcelos

CRÍTICA "Os que vêm de longe" do Teatro da Poesia

Crítica "Os que vêm de longe" *

Tessitura _ Jocianny  Carvalho

A condição da existência humana pode ser a possibilidade de gerar significado. Ações, objetos, pessoas e reticências... Literalmente tudo pode significar, e o quão longe podemos ir com uma cadeira? Palestina? Sudão? Síria? Congo? Colômbia? Um oceano de possibilidades. A companhia Teatro da Poesia propõe uma imersão na realidade dos refugiados lançados ao redor do mundo, e é inegável que conseguimos enxergar, a cada momento de apresentação, todo longo dia de trabalho que aplicaram ao longo de nove meses, e como resultado, sem dúvidas, temos um belo espetáculo que reflete de forma benéfica o Festival de Teatro de Alagoas - FESTAL e o cenário teatral maceioense.

Em seu livro A imaginação, Sartre diz que a imagem é “uma coisa menor, que tem sua existência própria, que se dá à consciência como qualquer outra coisa e que mantém relações externas com a coisa da qual é a imagem”. Faço esse passeio por Sartre porque o espetáculo em questão, Os que vem de longe, proporcionou uma infinidade de imagens que se transformaram potencialmente em coisas diante de nós. E ainda que a imagem seja teoricamente menor do que a coisa, neste caso, de forma tênue, ela foi tornando-se quase real, mas, mesmo conseguindo esse status de imagem-coisa, ela não deixa de ser imagem, não deixa de ser ínfima, o que a transforma em mito, utopia. 

A montagem trata de várias realidades, que conseguimos acessar através das várias imagens e diversas palavras poéticas. E sim, eles podem esbarrar com algum espectador cansado, querendo mudança, que diga: fake news e apropriação cultural!  Mas, a ele, simplesmente responderia: tornamos imagens em coisas, então, nesse caso, o resultado é totalmente positivo. Tornamos o invisível em visível. E visibilidade é realmente algo especial. Algo que faz com que o ser humano que habita, às vezes descansando, em cada um de nós, desperte e faça alguma “coisa”, que pode ser apenas uma lágrima simplória, mas que nos lembra da nossa banal existência.  Mas, para além desse espectador cansado, também é necessário dizer que, mesmo com todo esmero e dedicação de uma pesquisa, jamais conseguiremos estar lá naquela grama, procurando as cabras curiosas de Sunamita. É preciso dizer que isso é poesia, por mais que essa vívida representação nos toque, nos cause catarse, ainda assim é necessário dizer: não estamos no mesmo barco. E talvez, ainda assim, seja necessário explicar: existem muitos barcos. 

Cadeira. A única coisa que de fato é posta concretamente para nós. E que, por ironia ou poesia, como diz Faruk, “queimamos primeiro das escolas”. Escolher a coisa que mais rapidamente pode ser descartada como o eixo central da cenografia, e que também podemos associar a esses “refugiados”, que facilmente foram (e são?!) descartados e lançados à diáspora — não podemos negar, isso é poesia. O que propõe, já no nome, o grupo. 

Se possível for, não usem mais o canhão de ar: ele corta as suas palavras e banaliza a sua poesia. Se esse robô fosse programado evaporar quando a cabra curiosa fosse bisbilhotar na grama, poderia ser um “talvez”, mas, ainda assim, parece que sobra. 

É possível imaginar? É possível ser mãe e sentir-se só? É possível voltar a comer patacones com alegria? É possível não sentir algo musicalmente celestial? É possível existir? É possível resistir? Eles nos mostraram que sim. Eles, que vem de longe. 

* A crítica foi escrita durante a apresentação do espetáculo no Festal 2018 e publicada na Revista #Textão nº 7

FICHA TÉCNICA

Direção: Jadir Pereira

Dramaturgia coletiva

Texto: Jadir Pereira, Jamerson Soares e Louryne Simões

Elenco: Aldine de Souza, Camila Moranelo, Jamerson Soares, John Fortunato e Louryne Simões

Direção de Produção: Geraldo Neto e Lídia Santos

Cenografia: Jadir Pereira e Louryne Simões

Figurino: Meson de Lira

Iluminação: Moab de Oliveira

Sonoplastia: John Fortunato

Maquiagem: Lucas Lerato

Responsável Visual: John Fortunato

Fotografias: Amanda Môa

CRÍTICA de "Baldroca" da Associação Teatral Joana Gajuru

Crítica de Baldroca *

Tessitura _ Lili Lucca

A rua e seu espaço democrático tem sido nesses dias o lugar dos transeuntes que veem na arte um lugar de comunhão. Teve início no último dia 17 de outubro a mostra de espetáculos do FESTAL – Festival de Artes Cênicas de Alagoas. Um festival que tem, na sua feitura, 13 grupos, 13 coletivos que se articularam há mais de 3 anos, buscando criar forças e dialogar com a cidade, propondo seus trabalhos e pesquisas. A arte se faz no encontro com o público, e, por acreditarmos que somos mais fortes juntos, a esses trazemos, nessa 4ª edição do FESTAL, a arte para a praça e para um itinerário que se alimenta nesses espaços avizinhados, tais como o Museu Théo Brandão, Espaço Cultural , Casa Jorge de Lima e a Praça Sinimbú.

O FESTAL traz nesse ano a exposição Fio da Memória, que busca desenhar uma linha histórica, trazendo registros dos grupos que fizeram e fazem a história das artes cênicas, a nossa arte que vem sendo registrada na memória afetiva de cada espectador, cotidianamente. O registro do teatro é no efêmero do encontro também. E a Praça Sinimbú, que já foi  recanto de um dos nossos maiores poetas, Jorge de Lima, fez palco para a Cia Joana Gajuru. Era fim de tarde de uma quarta-feira, luzes se acendiam para a abertura dos espetáculos, a arena circular se formava, as pessoas se aproximavam, algumas apenas passavam e aproximavam, de longe, o olhar, sentindo-se convidadas. Conversas, discussões políticas, abraços e até cantorias daqueles que iam chegando e aguardando o início da representação. 

A Associação Teatral Joana Gajuru, reestreia o espetáculo Baldroca, trazendo para a cena do teatro alagoano novos atores e atrizes e, assim, novas possibilidades de recontar essa história. O grupo, que completa 24 anos de história, reafirma seu objetivo de contribuir para o fomento da cultura e do imaginário popular, e a busca de cada vez mais promover a identificação junto ao público com a cena que se passa.

Eis que sobre o um círculo de sal grosso os atores e atrizes surgem perante nosso olhar, com cores da terra arenosa, clara, que também habita a praça. O teatro de rua confunde-se com a própria história da humanidade, é o ser humano na busca de dramatizar suas cenas cotidianas. E a Cia Joana Gajuru traz ao povo sua mais antiga forma de expressão. Baldroca se inicia em meio a cantoria, perfumes, folhas jogadas ao ar e dança circular, um festim para que o público esteja ali conosco. Uma FARSA, como foi dito pelos próprios artistas que a encenaram, a farsa que, no teatro, é tida também como a pimenta que alimenta e complementa o alimento cultural e sério da alta literatura. Baldroca é uma livre adaptação da Cia. Joana Gajuru, feita por Abides de Oliveira, que traz de forma encenada o conto “Corpo fechado”, de Guimarães Rosa, para rua e para o encontro com o povo, tal qual a arte se faz e refaz.

A narrativa de trapaça que Baldroca apresenta é, ao mesmo tempo, lúdica e real, traz personagens que conversam com o público, que se reconhecem a partir da história que contam. Uma baldroca, uma mentira, um conto e uma fofoca de personagens que vivem de forma singela. Uma mentira que não fere, não traduz “dor”. É uma mentira pra contar vantagens, para fingir ser quem não é. É como se o povoado da Laginha, onde a trama acontece, fosse o lugar de histórias incríveis e grandes aventuras, e tal mentira, contada pelo personagem Mané Fulô, não trouxesse nada além de encantamento e ensinasse que a coragem vem dos que são grandes por dentro. Assim como é o ator Reginaldo Meneses que, no desempenho de seu ofício, vem se mostrando desmedido para compor novas molduras. Essa Baldroca confeccionada pela Gajuru é algo que sempre habitou na literatura e na arte, pois que devemos estar todos atentos, uma vez que hoje grandes mentiras se tornam verdades descomunais que interferem diretamente na nossa vida. Uma baldroca encenada é um divertimento na arte; uma baldroca consolidada, na verdade, é um perigo para a vida. Atenção.

Em meio à contação feita por Mané Fulô, surgem curandeiros, ciganos, valentões, burrinhas, todos eles vivendo e evidenciando as histórias que são contadas pelo doutor da cidade. Laginha traz histórias de pessoas que estão sempre próximas umas das outras, essas histórias que são fantasias que, quando contadas de forma afetiva, viram historietas de um lugar, atraem turistas que buscam encantamento por simples fatos vividos. Tal qual todos nós, hoje tão atentos à imagem das vidas de outros pelas redes sociais, porém ansiosos da palavra e do contato com outros. Em meio a enganos e fraudes que vão sendo contados e vividos novamente por todos, nós, como se estivéssemos nas memórias de seu Mané Fulô, vamos acompanhando tudo de forma alegre, ativa, tal qual a turista paulista que vê histórias de vida, as quais, na realidade dela, quem sabe nunca fossem possíveis. Ela registra tudo por foto e escuta, estando atenta por mais informações, percorrendo as memórias e os lugares das histórias de Laginha e seu povo, como nós, seus aliados ali, acompanhando cada cena, registrando e interagindo a cada fato.

Eis que em meio a tanto acontecimento surge Maria das Dores, chega reparando em tudo e todos, ao trem que passa, aos que vêm de longe e de perto, à procura de se embelezar para falar de amor e lutar por ele, o seu amor, que está ameaçado por um valentão. O amor que hoje é tão banal a alguns é o que mantém Laginha unida e a torna um lugar de corajosos, de destemidos. A fala trazida e o enlevo da personagem construída por Ivana Iza, traz a frase que todos precisamos reconfortar: “Já estamos criando o amor”. E assim ela busca adjuntórios para que seu amor seja comemorado de forma valiosa. Pois o amor, aquele que ainda está em construção, é algo valioso, e só o amor vencerá a força do mal e da violência que o Valentão Targino emprega. E quantas de nós temos a força e a coragem de lutar contra os valentões em prol do amor? 

Baldroca, que traz uma história cheia de mentiras, também nos mostra que é preciso coragem diariamente para que essas histórias lúdicas e fantasiosas não passem a ser a nossa realidade. É preciso coragem, respeito a todas as fés, é preciso que nos escutemos em grandes narrativas, para que baldrocas sejam transformadas apenas em cenas. Situações que são contagiantes e de forma responsável, tal qual o espetáculo encenado pela Associação Teatral Joana Gajuru, que nos invade de lúdico e nos faz rir em meio à praça de personagens reais, e que brincam de ser, mas que, porém, evidenciam que sua maior vontade de ser sempre será na realização do amor.

Com direção de Lindolfo Amaral, com um elenco diverso e potente, Baldroca, em sua remontagem, traz uma encenação cheia de imagens potentes, sua dramaturgia é viva e traz conflitos que precisamos repensar e vivenciar, pela alegria do lúdico que nos traz consciência, em meio a músicas e cantorias. E queríamos mais cantorias, por elas serem um modo melódico e expressivo de melhor dizer o texto e desenrolar a fábula, logo, contribuindo para o ritmo pedinte da rua de mais gentes, mais ação seguida, como a própria rua, sem extensões e tempos muito dilatados. Baldroca é como o FESTAL, um resgate a memórias daqueles que compuseram aquela cena, como foi dito por Waneska Pimentel, assistente de direção do espetáculo, e que está na construção contínua dessas cenas desde suas origens. Reviver Baldroca é, de certa forma, catucar nossa memória efêmera nas cênicas, é relembrar e ovacionar aqueles que já compuseram essa cena. O sorriso largo do Vitor Rodrigues em cena e na vida; e a sapiência e sabedoria do Eris Maximiano, que hoje estão na memória e na história do teatro alagoano.  

É necessário estarmos juntos e fortes na resistência de entender as trapaças da cena, é necessário nos unificarmos cada vez mais. Sermos resistência como todo teatro e artista tem sido em anos. E o grupo Joana Gajuru, ao nos apresentar e nos colocar de novo perante Baldroca, reafirma e nos fortalece na história de sermos e continuarmos a resistir criando cenas e arte. A rua é o lugar do encontro corriqueiro, da troca de histórias cotidianas. Tal qual o teatro que se faz na troca com o público, vivemos e somos somente juntos. 

* A crítica foi construída durante o Festal 2018, capa do Caderno B da Gazeta de Alagoas no dia 23 de outubro de 2018, e republicada na Revista #Textão nº7.

Ficha Técnica

Direção – Lindolfo Amaral

Texto Original – João Guimarães Rosa

Adaptação – Abides Oliveira

Assistente de direção: Eris Maximiano e Waneska Pimentel

Preparação corporal: Glauber Xavier e Nani Moreno

Preparação vocal: Sabrina Pimentel

Direção musical: Tércio Smith

Letras das músicas: Abides de Oliveira

Percussão: O grupo

Cenário: Eris Maximiano e Marcelo Peres

Figurinos: Marcondes Lima e Felipe Quèrette

Execução de Figurinos: Maria Lima e Atelier Arlene Bulhões

Texturização de adereços: James Rodrigues e Marcelo Peres

Bonecos: Aquiles Escobar

Maquiagem: Eris Maximiano e Marcelo Peres

Material gráfico: Pedro Lucena e Fernando Coelho

Produção: Grupo

Elenco: Alex Walker, Waneska Pimentel, Cadu Moura, Ivana Iza, Ticiane Simões, Toni Edson, Matheus Marin e Reginaldo Meneses.

Fotos _ Jadir Pereira

CRÍTICA: "A Memória da Flor" _ Qual é o tom da vulnerabilidade?

Tessitura _ Bruno Alves

Foi durante a primeira edição do Festival de Artes Cênicas de Alagoas - FESTAL, em seu formato organizado e gerido por vários grupos e artistas, que estreou o primeiro espetáculo do Teatro da Poesia.

“A Memória da Flor”, antes interpretado por Jadir Pereira e Louryne Simões, nascia dentro de uma efervescência da cena alagoana, em um período no qual  artistas começavam através da construção do festival a unir forças para discutir e fomentar a cena alagoana. 

Em 2016, em meio a ruínas da falta de políticas culturais, de diálogo da classe, da falta de patrocínio para o festival, nascia um festival, nascia também com ele um espetáculo e um novo grupo na cena local.

A inspiração do espetáculo é a música homônima do cantor alagoano Júnior Almeida. Vemos ao assistir se desenhar o relacionamento de um casal através das cartas trocadas entre ambos. Ele (Tom) um homem perdido em seus próprios traumas e ela (Flora) uma cantora que decide não mais cantar(?).

Em 2019, o Teatro da Poesia, decide remontar o espetáculo. Dessa vez Jadir Pereira assume a direção e Jamerson Soares e Louryne Simões compõem o elenco. Jadir assume o desafio de dirigir um elenco potente e cheio de possibilidades. 

Há ganhos com a chegada de Jadir a direção. Em sua reestreia vemos ser melhor elaborada as cenas e a narrativa da história, no entanto, não existem grandes mudanças ou desconstruções. Jamerson Soares assume o Tom e traz para ele novas nuances, mas segue a narrativa como outrora era apresentada. Percebe-se que é um ator potente e visceral que se desprende e se entrega ao personagem que lhe é proposto, mas esse desprendimento, característico de seu personagem, por ser mais “largado”, pode beirar o exagero na interpretação em alguns momentos, perdendo as nuances que poderiam ser melhor aproveitadas de seu trabalho de ator. 

É tudo muito limpo e organizado visualmente, seja o figurino ou os elementos que compõem os adereços e cenografia. Característica que o Teatro da Poesia tem mantido em seus dois espetáculos. Não há problema em querer trazer essa “limpeza” na visualidade dentro do espetáculo, mas quando se busca a verossimilhança esse cuidado nem sempre se torna uma força, principalmente quando estamos falando sobre estados humanos de decadência.

Não fica entendido se Flora decide não cantar mais ou se realmente foi o tempo que a fez perder a voz. Parece um retrato de uma cantora da noite em decadência, que devido o passar dos anos, o envelhecimento e questões de saúde vocal foi afastada dos palcos. No entanto, Flora não é decadente visualmente, vocalmente e corporalmente falando, embora sua história e o que vemos retratado ali no palco nos traga uma mulher que acumula fracassos na vida e na carreira. O perfil construído para o espetáculo não nos deixa ver a decadência dessa mulher. Ela é revelada de forma deslumbrante, altiva e pouco vemos de vulnerabilidade.

É certo que entre ela e ele existem diferenças de personalidade e formas de ver o mundo, mas visualmente e corporalmente a vulnerabilidade de Flora é pouco explorada, enquanto o desprendimento de Tom é mais visível e explorado de maneira exagerada durante a maioria das cenas. 

A escolha dos elementos de cena também precisam de um maior cuidado, pois a própria Flora fuma durante a peça e esse cigarro usado por ela é quase como uma extensão de seu corpo, com o qual ela deveria manter uma relação de intimidade.

Vemos a dramaturgia se desenrolar, vamos entendendo a história do casal, a luz nessa reestreia ganha uma nova potência e nos ajuda a entender a narrativa. Tudo é feito com muito cuidado e atenção. Seja na escolha das cores, dos elementos de cena e nas marcações do espaço. 

O excesso do cuidado e o querer que esteja tudo bonito em cena nem sempre acrescenta a narrativa. Nesse espetáculo os corpos parecem querer esconder as ruínas. Há beleza na decadência e na ruína. Tudo que é inerente ao ser humano torna-se importante e belo no teatro. É certo que, como já sugere o nome do grupo, a palavra vem como ponto fundamental para contar a história, mas uma palavra distante do que vemos se desenrolar em cena nos faz pensar que algo está sendo escondido de nós. 

“O presente que o ator deve dar à plateia, o objeto direto que complementa o verbo dar, é a própria pessoa do ator. Ele deve comungar a si mesmo com seu público, mostrando não apenas o seu movimento corporal e sua mera presença física no palco, mas seu corpo-em-vida, seu ser, os recantos mais profundos e escondidos de sua alma. E para isso é preciso coragem: coragem para buscar essa vida, coragem para buscar esse presente e, além de tudo, coragem para doar esse presente, sem restrições e sem medo.”¹

Não saberemos qual é o presente se não tirarmos o embrulho.

O “estar limpo” falado anteriormente reflete nessas questões e nos deixa com a sensação que faltou alguma coisa acontecer. Há um momento em que a vulnerabilidade de Flora se mostra sutilmente e esse momento é exatamente quando não há música, não há palavra e de pé diante de nós ela vive o silêncio.

“Não é simplesmente seu corpo, mas seu “corpo-em-vida”, como diz Eugênio Barba. Um corpo-em-vida é um corpo em constante comunicação com os recantos mais escondidos, secretos, belos, demoníacos e líricos da nossa alma. É o receptáculo da poesia do teatro. O ator é um “atleta afetivo”, como diz Artaud”.

Quando as afetividades são desenhadas e reveladas dentro do espetáculo, somos pegos por instantes.

É preciso assumir a vulnerabilidade como potência criadora. A vulnerabilidade de estar numa relação caótica, ou no ato de ter para si memórias do que foi vivido e feriu. Vulnerabilidade e risco como as de criar um festival ou um espetáculo sem patrocinadores ou políticas culturais, por exemplo.

É no silêncio, no cantar e principalmente no não cantar de Flora que se encontra a ruína final. É no que está escondido no ator e na atriz, nos seus recantos mais secretos e demoníacos que se poderá encontrar a poesia e isso pode ser lindo.

Referência:

¹ Ferracini, Renato. A arte de interpretar como poesia corpórea do ator. Campinas, SP. Editora Unicamp, 2003.

Espetáculo "A Memória da Flor"

FICHA TÉCNICA

Producão  Geral: Teatro da Poesia

Direção: Jadir Pereira

Elenco: Louryne Simões e Jamerson Soares

Direção de Produção: Geraldo Neto e Lídia Santos

Cenografia: Louryne Simões e Jadir Pereira

Desenho de Luz: Edner Careca

Iluminação: Moab de Oliveira

Sonoplastia: Cleyton Alves

Fotografia: Jadir Pereira

Responsável Visual: John Fortunato

Preparador Vocal: Max Claudino

Violão: Daniel Maia

CRÍTICA de "Silêncio" : Você já conversou com um eleitor do Bolsonaro hoje?

Tessitura_Jocianny Carvalho

        A guerra não é senão um negócio,

        em vez de ser com queijo, é com chumbo

       e se o custo ultrapassa tuas forças

não estarás na parada da vitória.

    (Brecht, Bertold. Mãe Coragem e seus Filhos, 1939)

Quarta-feira, dezessete de abril de dois mil e dezenove. O couro é amaciado, tratado, sentado, exposto. A carne senta, sente, corre, sacode, dispersa, o corpo se põe, sobrepõe, os pés se isentam. Tudo isso exposto é reconhecível. Se houvesse uma releitura de Abaporu de Tarsila do Amaral, talvez os pés fossem menores que a cabeça, mesmo que o círculo não enxergue o quadrado assim, nem o contrário, os dois parecem estar presos nessa imagem, e nem os maiores sociólogos apontam outra estratégia que não seja a do diálogo. Um de dois acredita no círculo, na bola, cinesfera e na ciranda. O dois de dois acredita no quadrado, terra plana, no quadro e quadrilateral. Quando ambos vão perceber que são linhas? Que linhas serão essas? Onde podemos nos desestruturar para voltarmos ao ponto inicial? Diálogo, para existir necessita de dois pontos de vista: o quadrado e o redondo. 

Significado de Diálogo:

substantivo masculino

Conversa; fala interativa entre duas ou mais pessoas. (Dicio, dicionário Online)¹

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O espetáculo Silêncio, com direção de Reginaldo de Oliveira e feito pelos educandos do módulo IV da E.T.A. (Escola Técnica de Artes), traz várias imagens potentes sobre a nossa sociedade e críticas atuais presentes principalmente em redes sociais, expõe os textões do facebook e todo descontentamento por parte de um dos lados, mas no fim expõe o que talvez seja o ponto em comum das duas linhas: a passividade e a rejeição, o deslike, o deixar de seguir, o unfollow, bloquear, curtir, amei, hashtags pra subir nossa afirmativa, o alcance da publicação, o algoritmo que nos deixa confortáveis, te falo in box. E fomos ficando terrivelmente cansados de dialogar. O lugar do espectador também é direcionado a passividade, somos pegos contemplando a nossa auto afirmação e  nossa adorável maneira de gritar no silêncio, por que neste caso, o caos só é estabelecido na confusão de voltar ao mesmo ponto, pois não há um contraponto que nos leve a transformação. Estar no palco, a escolha de artista, já é por si só política, inegável e civil, devemos nos atentar aos discursos, assim como quando na descoberta do corpo somos minuciosos e pragmáticos, é preciso reaver a atenção à palavra para não correr o risco de sermos impotentes, dispensáveis:

A relação entre o teatro e a política tem sido tensa há dois mil e quinhentos anos. Aristófanes investiu, a partir do palco, contra demagogos e advogados da Guerra do Peloponeso; ele o fez na soberana forma artística da Comédia Ática, que atrai como forma teatral original mesmo lá onde as alusões políticas não são compreendidas. Mas quando se trata somente de provocação política, a sua atrelagem ao palco torna-se dispensável. 
(Berthold, Margot. História Mundial do Teatro.)²

O espetáculo Silêncio não é somente uma provocação política, a dramaturgia diz que não, o corpo diz que não, a iluminação diz que não, a cenografia diz que não, as fortes imagens criadas dizem que não, então qual o ponto enquanto artista? Reconhecer a amplitude de sua obra e não colocá-la num nicho do discurso político do círculo, ou reconhecer a autocrítica criada. E voltamos mais uma casa, que trata do espaço: Onde nos tornamos potentes? Em que lugar torno a criação indispensável? Em que zona consigo estabelecer um diálogo?  Pego meu sapato e volto para casa em silêncio? 

 Referências:

¹https://www.dicio.com.br/dialogo/

² Berthold, Margot. História Mundial do Teatro. 5 ed. São Paulo: Perspectiva, 2011. pp. 502

Ficha Técnica:

Diretor da Instituição _ David Farias

Direção de “Silêncio!” _ Reginaldo Oliveira

Professores colaboradores _ Alex Cerqueira, David Farias, Geová Amorim, Toni Edson e Valéria Nunes

Elenco _ Camila Moranelo, David André, Dávison Souza, Eduardo Alcântara, Emmanuel Lima, Jaysllany Florêncio, John Fortunato, Josival Silva, Marina Sales, Matheus Fonttes, Milka Freitas, Tauan Pita, Tamário e Thame Ferreira.

Produção Executiva:

Teatro – Graduação _ Auryelly Matos, David William, Gaby Ferreira e Rayanne Accioly

Arte Dramática – módulo 2 _ Adda Feitosa, Alonso Rodrigues, Jéssica Marques, Karol Peixoto, Lavinnya Luciani, Millena Brandão e Rauny Soares

Produtoras convidadas _ Karlla Sart e Priscila Angel

Iluminação _ Moab de Oliveira e Adda Feitosa

Sonoplastia_ Brother e Priscila Angel

Concepção de cenário _ Moab de Oliveira

Concepção e execução de figurino _ Alex Cerqueira

Concepção de maquiagem _ Alex Cerqueira

Fotos_ Jadir Pereira e Washington da Anunciação

Homenagem _ Roberta Oliveira